Всероссийский интерактивный образовательный портал "Аксиома"

Склярова Татьяна Георгиевна

 

Аннотация. В статье раскрывается значение работы над аккомпанементом в рамках предмета «Инструментальное музицирование» для профессионального становления учащихся хорового пения в детской школе искусств. Автор систематизирует педагогические приёмы («пропевание аккомпанемента», мини‑ансамбли, «стресс‑репетиции» и др.), выстраивает поэтапную работу с учётом уровня подготовки учащихся и демонстрирует методику на примере романса А. Е. Варламова «Красный сарафан» — с алгоритмом работы, «точками контроля» и дифференцированными заданиями. В основе подхода — труды известных специалистов и авторский педагогический опыт. Статья адресована преподавателям фортепиано, концертмейстерам и педагогам хоровых отделений ДШИ.

Ключевые слова: аккомпанемент, учащийся хорового пения, ансамблевое исполнение, ДШИ, инструментальное музицирование.

 

На отделении хорового пения в детской школе искусств предмет «Инструментальное музицирование», чаще всего представленный курсом общего фортепиано, играет особую роль в становлении юного музыканта-хоровика. Он не сводится к освоению базовых пианистических навыков, а становится площадкой для формирования целостного музыкального мышления. Работа над аккомпанементом позволяет будущему участнику хорового пения глубже прочувствовать логику музыкальной ткани, научиться слышать взаимодействие партий и уверенно выстраивать ансамблевое звучание. Для учащегося хорового пения владение элементами фортепианной партии — это не просто дополнительная техническая возможность, но и инструмент самостоятельной работы: с его помощью ученик может разучивать репертуар, проверять интонацию, контролировать темп и находить опорные точки в музыкальном развитии произведения.

В процессе освоения аккомпанемента педагог решает сразу несколько взаимосвязанных задач. Прежде всего, важно развивать у учащегося ансамблевый слух: умение воспринимать не только собственную партию, но и слышать, как она сочетается с фортепианным сопровождением. Существенное значение имеет и навык чтения с листа: учащийся должен быстро ориентироваться в нотном тексте, улавливать гармоническую основу и замечать изменения фактуры. Параллельно формируются практические приёмы игры: работа с басовой линией, исполнение аккордов и арпеджио, педализация, передача выразительных подголосков. Не менее значимой задачей становится воспитание сценической уверенности: когда ученик понимает структуру произведения и чувствует опору в партии фортепиано, тревожность перед выступлением заметно снижается. В этом контексте особую ценность приобретают методические наработки педагогов, таких как Е. И. Кубанцева и А. П. Люблинский, уделявших пристальное внимание ансамблевой чуткости и осознанному взаимодействию учащегося хорового пения с аккомпаниатором.

Методическая работа над аккомпанементом выстраивается как последовательное погружение в музыкальную ткань. На первом этапе проводится общий анализ произведения: определяются тональность, размер, темп, форма, выделяются основные гармонические опоры и кульминационные зоны. Такой разбор помогает ученику осознанно подходить к исполнению и видеть логику музыкального развития. Далее внимание концентрируется на отдельных слоях фактуры: сначала прорабатывается басовая линия, поскольку именно она задаёт ритмическую устойчивость и гармоническую ясность. Затем осваиваются аккорды или арпеджио, составляющие основной фон для голоса. Если в аккомпанементе присутствуют выразительные подголоски, их также разбирают отдельно, чтобы сохранить рельефность звучания. Когда учащийся уверенно справляется с фортепианной партией, наступает этап соединения с вокальной линией. Здесь особенно важна синхронность: вступления, снятия, переходы между фразами требуют предельной внимательности. Эффективным приёмом становится чередование ролей — ученик поочерёдно исполняет партию голоса и аккомпанемент, что значительно усиливает ансамблевую чуткость.

Выразительность исполнения и динамический баланс между голосом и фортепиано — одна из самых тонких задач в работе с учащимися хорового пения. Педагог помогает ученику почувствовать, в каких местах голос должен выходить на первый план, а где уместно уступить пространство инструменту. Для этого используют разные способы: проигрывают фрагменты с различной динамикой, записывают исполнение и анализируют, не заглушает ли фортепиано вокальную линию. Важную роль играет моделирование концертной ситуации: учащийся поёт, а преподаватель исполняет аккомпанемент, обращая внимание на моменты, где звук теряется либо, напротив, доминирует. В этом процессе особенно ценен опыт концертмейстерской работы, описанный в трудах Н. Крючкова, где подчёркивается необходимость гибкого взаимодействия и умения предугадывать намерения музыканта-хоровика.

Подбор репертуара строится по принципу постепенного усложнения. На первых порах предпочтение отдаётся произведениям с ясной гармонической структурой и простой фактурой — например, русским народным песням в обработке для голоса и фортепиано или классическим романсам М. И. Глинки, А. Е. Варламова, А. Л. Гурилёва. По мере роста технической и слуховой подготовки вводят арпеджированные фактуры, развивающие плавность движения и чувство ритма. На более продвинутом уровне осваивают аккомпанементы с подголосками и контрапунктическими линиями, требующие развитой координации. Завершающим этапом становятся произведения с изменчивой фактурой, где чередуются аккорды и арпеджио, меняются регистры и возникают динамические контрасты. В этом помогают учебные сборники по аккомпанементу и ансамблю, ориентированные на учащихся хорового пения, а также сочинения современных композиторов для детей и юношества.

Особенности работы существенно зависят от возраста и уровня подготовки учащихся. С младшими школьниками акцент делается на ритмическую устойчивость, чёткость басовой линии и простые аккордовые последовательности. Здесь хорошо работают игровые приёмы: например, предложить сыграть только бас или повторить короткую фразу, чтобы закрепить ощущение опорного ритма. Подросткам уже можно ставить более сложные художественные задачи: анализировать произведение самостоятельно, предлагать варианты трактовки, обращать внимание на нюансы звучания. На старшем этапе работа приближается к профессиональному уровню: внимание уделяется стилистике, педализации, интерпретации и подготовке к концертным выступлениям.

Из собственного опыта работы могу отметить ряд приёмов, которые особенно хорошо зарекомендовали себя в классе. Нередко ученики на первых порах чрезмерно концентрируются на пальцах и нотах, теряя связь с вокальной линией — в таких случаях выручает метод «пропевания аккомпанемента»: я прошу учащегося пропеть голосом басовую партию или гармоническую основу, пока играет фактуру. Это быстро выстраивает слуховую опору и помогает ощутить, как фортепианная ткань поддерживает голос. Важным подспорьем становится работа с фрагментами в разных темпах: сначала предельно медленно, чтобы зафиксировать синхронность вступлений и снятий, затем — в концертном темпе, где на первый план выходит умение не цепляться за технические детали, а сохранять художественный замысел. Здесь особенно ценны рекомендации из трудов Е. И. Кубанцевой о том, что ансамблевая точность формируется не столько многократным повторением, сколько осознанным контролем каждого совместного момента. В практике отделения хорошо себя показала форма мини ансамблей «певец — певец»: один ученик поёт, второй играет аккомпанемент, потом они меняются ролями. Такой обмен позволяет изнутри прочувствовать обе позиции и тоньше слышать баланс. В старших группах мы регулярно проводим репетиции в условиях, максимально приближённых к сценическим: с незнакомым концертмейстером, в другом помещении, с минимальной распевкой. Это воспитывает устойчивость и умение быстро находить контакт с партнёром — навык, который, по наблюдениям А. П. Люблинского, отличает зрелого исполнителя. Отдельно стоит сказать о работе с ошибками. В ансамбле недопустимо останавливаться и исправлять промах — нужно уметь «пронести» неточность и сохранить форму. Я целенаправленно тренирую эту способность: намеренно допускаю в своей партии небольшие отклонения и прошу ученика не реагировать, а продолжить в общем ритме и характере. Постепенно формируется исполнительская выдержка, которая критически важна на концерте. Ещё один рабочий инструмент — аудио  и видеофиксация репетиций. Просматривая запись, ученик часто сам замечает, где голос «проваливается» или, наоборот, подавляет фортепиано, и уже осознанно корректирует динамику. Такой рефлексивный подход заметно ускоряет прогресс и делает учащегося более самостоятельным в разборе произведений. Наконец, значимую роль играет репертуарная политика: я стараюсь подбирать для каждого ученика такие сочинения, где аккомпанемент не просто сопровождает, а художественно взаимодействует с голосом — подчёркивает кульминации, создаёт «дыхание» между фразами, оттеняет поэтический текст. Именно в этих точках раскрывается смысл ансамблевой работы: не сыграть ноты, а вместе рассказать музыкальную историю.

 

 Конкурсы для музыкальных руководителей

 

Таблица - «Эффективные приёмы работы над аккомпанементом с учащимися хорового пения: цели, реализация и результаты»

Приём	Цель	Реализация	Эффект
«Пропевание аккомпанемента»	Выстроить слуховую опору, почувствовать связь фортепианной ткани с вокальной линией	Ученик пропевает бас/гармонию, играя фактуру	Развивается ансамблевый слух, уходит фиксация на пальцах
Работа в разных темпах	Сформировать точность и сохранить художественный замысел	Фрагмент прорабатывается медленно (с счётом), затем — в концертном темпе	Ученик различает техническую и художественную задачи, улучшает синхронность
Мини‑ансамбли «певец — певец»	Прочувствовать обе позиции, тоньше слышать баланс	Ученики меняются ролями: поют/играют аккомпанемент	Формируется чуткость к партнёру, умение предугадывать его действия
«Стресс‑репетиции»	Воспитать устойчивость в нестандартных условиях	Репетиция в актовом зале с незнакомым концертмейстером	Растёт сценическая уверенность и адаптивность
Тренировка «проноса» ошибок	Сформировать исполнительскую выдержку	Педагог намеренно вносит отклонения — ученик продолжает без остановок	Ученик учится сохранять форму и не бояться ошибок
Аудио‑ и видеофиксация	Научить самостоятельно замечать дисбаланс	Запись фрагмента + разбор (где теряется голос, «плывёт» ритм)	Развивается рефлексия и самостоятельность в разборе произведений
Репертуарная политика	Раскрыть ансамблевую работу как совместный рассказ истории	Подбор сочинений, где аккомпанемент художественно взаимодействует с голосом	Повышается художественная выразительность и мотивация ученика

 

Работа над аккомпанементом в рамках предмета «Инструментальное музицирование» — не вспомогательный этап, а значимая составляющая профессионального становления учащегося хорового пения. Она позволяет юному музыканту-хоровику выйти за рамки узкотехнического освоения партии и приблизиться к подлинному ансамблевому мышлению, где каждая деталь фактуры обретает художественный смысл.

 

 

Работа над аккомпанементом в романсе А. Е. Варламова «Красный сарафан»: пошаговый алгоритм для учащихся 3–4 года обучения

Романс А. Е. Варламова «Красный сарафан» особенно удачно подходит для работы с учащимися младших и средних классов: относительная простота фактуры позволяет не отвлекаться на преодоление сложных технических трудностей и сконцентрироваться именно на ансамблевых задачах. В произведении чётко выделены зоны взаимодействия учащегося и аккомпаниатора — вступления, кульминации, проигрыши, — и каждая из них становится естественной «точкой обучения», где можно целенаправленно отрабатывать баланс звучания и синхронность. Кроме того, романсовая стилистика с её плавной фразировкой и закономерной динамикой помогает ученикам развивать художественный вкус и глубже осмысливать музыкальную форму, постепенно приобретая чувство единого исполнительского замысла.

Предварительный анализ (для педагога)

Форма: куплетно‑вариационная; каждый куплет имеет вступление, основную фразу и небольшой проигрыш.

Фактура аккомпанемента: бас (опорный ритм) + аккордовая пульсация в среднем и верхнем регистрах.

Ключевые ансамблевые зоны: вступление (синхронность), начало фраз (совпадение атаки), кульминации (контроль плотности фактуры, чтобы не заглушить голос), проигрыши (активная роль фортепиано).

Тональность и отклонения: основная тональность — G‑dur (соль мажор), возможны отклонения в доминанту и параллельный минор; важно отмечать эти смены для гармонической опоры ученика.

Динамика: типичная для романса волнообразная динамика; в кульминациях требуется особая осторожность с верхним голосом в аккордах.

Пошаговая работа по приёмам (на фрагменте 8–16 тактов)

1. Пропевание аккомпанемента

Задача: услышать басовую линию как ритмическую ось.

Как делать: ученик поёт басовую партию (например, на слог «та») и одновременно играет только бас. Затем добавляет аккорды в среднем регистре, сохраняя ясность баса.

На что обратить внимание: если бас «проваливается» или ускоряется — это сигнал, что ритмическая опора теряется.

Эффект: формируется слуховая опора, ученик перестаёт «торопить» аккорды из‑за фиксации на пальцах.

2. Работа в разных темпах (

Медленный темп (с метрономом): проработка вступлений и снятий на сильную долю. Например, в тактах с вокальной паузой важно точно «поймать» момент возобновления движения.

Концертный темп: акцент на сохранении характера и фразировки, а не на идеальной технике.

Приём: чередовать 1 прогон медленно (счёт вслух) и 1 в темпе.

Эффект: ученик учится разделять задачи: в медленном темпе — точность, в концертном — художественный результат.

3. Мини‑ансамбль «певец — певец»

Вариант 1: один ученик поёт, второй играет аккомпанемент; затем меняются ролями.
Вариант 2 (для одного ученика): ученик попеременно пропевает вокальную фразу и играет аккомпанемент, фиксируя, где голос «теряется» из‑за плотности аккордов.

Фокус: на проигрышах и переходах между фразами.

Эффект: развивается ансамблевая чуткость и навык предугадывания намерений партнёра.

4. Коррекция баланса и педализации

Проблема: в кульминационных фразах аккорды в верхнем регистре могут заглушать голос.

Решение:

временно убрать верхний голос в аккордах, оставив бас и средний голос;

педализацию сделать «прозрачной»: педаль брать только на сильных долях, снимать чётко на паузах;

использовать контрастные проходы: один раз сыграть «полным звуком», второй — с облегчённой фактурой, и сравнить, где баланс лучше.

Эффект: ученик осознаёт, как фактура и педаль влияют на слышимость голоса.

5. Тренировка «проноса» ошибок

Как делать: педагог намеренно слегка смещает вступление или меняет динамику в своей партии (или имитирует это голосом). Ученик обязан продолжать в ритме и характере, не останавливаясь.

Цель: сформировать исполнительскую выдержку и умение сохранять форму даже при неточностях.

Эффект: снижается тревожность, растёт сценическая устойчивость.

6. Фиксация и рефлексия

Как делать: записать 8–16 тактов на диктофон или камеру. Сразу после прогона попросить ученика назвать 1–2 момента, где баланс был нарушен, и предложить способ исправления.

Пример вопроса: «Где голос “провалился” или, наоборот, фортепиано его подавило? Что можно сделать в этом месте?»

Эффект: развивается самостоятельность в разборе произведения и рефлексивные навыки.

Конкретные «точки контроля» в «Красном сарафане»

Такты	Задача	Приём	Критерий успеха
Вступление (2–4 такта)	Синхронность атаки	Счёт вслух, метроном; проработка вступления отдельно	Совпадение первой ноты голоса и первого аккорда фортепиано на сильной доле
Фразы с кульминацией	Баланс: голос на первом плане	Убрать верхний голос в аккордах; «прозрачная» педаль	Голос ясно слышен даже на mf–f; фактура не «замыливает» вокальную линию
Проигрыши	Активная роль фортепиано	Отдельная проработка проигрышей; акцент на ритмической чёткости	Проигрыш звучит как осмысленная музыкальная реплика, а не как пауза
Переходы между фразами	Точное снятие и возобновление	Проработка пауз и вступлений в медленном темпе	Чёткие цезуры, плавные переходы без «провалов» ритма

 

В качестве домашнего задания ученику предстоит закрепить отработанные на уроке приёмы. Прежде всего, нужно выучить на память басовую линию в объёме 8–16 тактов и пропеть её, одновременно исполняя аккомпанемент, — это укрепит ритмическую и гармоническую опору. Особое внимание стоит уделить двум фрагментам, где чаще всего возникают неточности во вступлениях: их следует проработать сначала в медленном темпе с метрономом, а затем — в концертном. Для развития самоконтроля полезно записать исполнение одного небольшого фрагмента (4–8 тактов) и самостоятельно проанализировать, в каких местах голос теряется на фоне фортепиано либо, напротив, подавляет его, а также продумать возможные способы корректировки звучания. Наконец, стоит выполнить небольшое творческое задание на ощущение баланса: в одном куплете сознательно облегчить фактуру, убрав верхний голос в аккордах, а в другом — сыграть полным звуком, после чего сравнить эффект и сделать вывод о том, как плотность фактуры влияет на ансамблевое звучание.

Таким образом, опыт показывает, что системное применение целенаправленных приёмов — от пропевания гармонической основы до «стресс‑репетиций» и рефлексии по записям — формирует у учащихся не только исполнительские навыки, но и важные личностные качества: чуткость к партнёру, способность сохранять художественный замысел в напряжённой ситуации, самостоятельность в разборе музыкального текста. Особенно ценно, что эти умения востребованы не только на сцене, но и в дальнейшей учебной и творческой деятельности: навык слышать музыкальную ткань, удерживать баланс и осознанно выстраивать взаимодействие остаётся опорой в любом ансамблевом опыте.

Для педагога работа с аккомпанементом — это ещё и возможность раскрыть индивидуальный потенциал каждого ученика: через репертуар, подобранный с учётом его слуховых и технических особенностей, через гибкие методические решения и доверительный диалог в процессе разбора. Опираясь на классические методические ориентиры и дополняя их собственными наработками, удаётся создать среду, в которой техническая задача органично соединяется с художественной целью.

Таким образом, предмет «Инструментальное музицирование», осмысленно выстроенный вокруг задач ансамблевой работы, становится для учащегося отделения хорового пения пространством живого музыкального опыта — пространством, где рождается не просто умение играть ноты, а способность вместе с партнёром рассказывать музыкальную историю, наполненную смыслом, дыханием и искренним чувством.

 Публикации для педагогов с получением сертификата

Список литературы

 

1. Кубанцева, Е. И. Методика преподавания аккомпанемента в музыкальном училище: учебное пособие / Е. И. Кубанцева. — Москва: Музыка, 2021. — 168 с.
2. Крючков, Н. Искусство аккомпанемента как предмет обучения: учебное пособие / Н. Крючков. — Санкт-Петербург: Лань: Планета музыки, 2023. — 112 с. — ISBN 978-5-8114-4809-2.
3. Люблинский, А. П. Теория и практика аккомпанемента: методические основы / А. П. Люблинский. — Санкт-Петербург: Композитор, 2020. — 124 с. — ISBN 978-5-7379-1234-5.